Fue a fines de junio de 2021 que llegó a Latinoamérica HBO Max, el servicio de streaming de WarnerMedia, ampliando la oferta de plataformas que hasta el momento tenía como sus principales protagonistas en Chile a Netflix, Amazon Prime, Disney+ y Apple TV+.
La cual marcó de inmediato una fuerte y destacada presencia con una oferta para toda la familia, de marcas como HBO, Warner Bros., DC, Cartoon Network, Adult Swim y Turner Classic Movies, entre otras, incluyendo clásicos de la TV y el cable como Friends y Game of Thrones, además de las cintas basadas en las historietas de DC.
Último apartado cinéfilo del que también forman parte los filmes de las sagas de Harry Potter, El Señor de los Anillos y Matrix.
Sin olvidar un gran número de largometrajes que en los últimos años han llamado la atención del público y la crítica, por su calidad y singulares historias de diversos géneros, que son parte del catálogo de películas HBO Max.
Acá una selección con algunas de las mejores.
Matrix resurecciones
Han pasado más de tres décadas desde que las hermanas Lana y Lilly Wachowski concretaron su tercer proyecto para Warner Bros.: Matrix, una película con guión propio, mezcla de ficción, filosofía y artes marciales, donde se enfrentaban humanos y máquinas.
La que marcaría su pasaje dentro de la crónica de la ciencia ficción cinematográfica, haciendo de sus protagonistas, Neo, Trinity y Morfeo, -e inconfundibles atuendos-, personajes indelebles de la pantalla grande, que inspiraron dos largometrajes más.
Así, Matrix (1999), Matrix: recargado (2003) y Matrix: revoluciones (2003) construyeron su universo audiovisual, donde el joven programador computacional Thomas A. Anderson (Keanu Reeves), descubrió que su realidad no era más que una creación digital.
Una extenso recorrido que supuestamente había concluido con el capítulo donde Neo tuvo su encuentro clave con Deux Ex Machina y luego con un poderoso Smith (Hugo Weaving), que lo llevaría al máximo sacrificio. Pero no todo estaba dicho, tal como lo revela Matrix resurrecciones, la película que viene a sumar un nuevo capítulo a la saga con una narración que bebe directamente de las cintas anteriores, reviviendo personajes, sentimientos y conflictos.
Una cuarta entrega que claramente está hecha para los nostálgicos de la trilogía original, pero puede entretener a alguien no tan versado en su universo gracias a sus adrenalínicas escenas de acción.
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Duna
Desde que Frank Herbert publicó la primera de sus novelas sobre las intrigas del Imperio Galáctico y el joven que puede derrocar su tiranía, muchos quisieron convertir las páginas de Duna en un largometraje, entre ellos el famoso chileno Alejandro Jodorowsky y su proyecto con nombres como los de Orson Welles y Pink Floyd.
Algo que concretó el estadounidense David Lynch en 1984, cuando debutó la cinta que originalmente contaba con cinco horas de metraje y quedó reducida a 137 minutos, tras la brutal edición a la que la sometió el estudio. Una decisión que hizo que su trama fuera bastante incoherente y afectará su recepción por parte del público.
Sin embargo, la historia en torno a Arrakis, la especia, Paul Atreides y los Harkonnen es demasiado atractiva y, a casi cuatro décadas de esa versión fílmica, una nueva producción en torno a la saga de Herbert llegó a las salas de cine para algunas semanas después pasar a formar parte del catálogo de peliculas HBO Max.
La que con la dirección del realizador canadiense Denis Villeneuve se inicia cuando el Emperador del Universo Conocido ordena a la Casa Harkonnen, que encabeza el Barón Vladimir Harkonnen (Stellan Skarsgård), abandonar el planeta Arrakis, donde durante décadas han explotado la denominada especia y sometido al pueblo Fremen.
Pero ahora la nueva encargada de Arrakis y la recolección de la especia -que solo se encuentra en este desértico planeta y es usada para los viajes intergalácticos- queda en manos de la Casa Atreides. Esto obliga al Duque Leto Atreides (Oscar Isaac), su familia, hombres de confianza y su ejército a mudarse a dicho lugar.
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El legado del Diablo
En los últimos años, una oleada de realizaciones ha venido a dar un renovado sentido al siempre activo género del terror. Títulos como ¡Huye!, La morgue, Fragmentado, Un lugar en silencio y Nosotros han dado inmejorables ejemplos de cómo las buenas ideas son más efectivas que un gran presupuesto.
Una lista a la que en 2018 se sumó El legado del Diablo, el primer largometraje del estadounidense Ari Aster, quien hasta esa fecha ya había logrado llamar la atención como director y guionista de cortometrajes, para luego consolidarse como guionista y realizador con la pesadilla nórdica de Midsommar (2019).
Sin embargo, en su película de hace cuatro años, Aster se ubica en Utah, EE.UU., para mostrar la inquietante historia de los Graham, la familia encabezada por Annie (Toni Collette), una artista de miniaturas que hace poco perdió a su madre, y que también integran su esposo psiquiatra Steve (Gabriel Byrne) y sus hijos.
Estos son el joven Peter (Alex Wolff) y la preadolescente Charlie (Milly Shapiro), quien era muy cercana a su abuela, por lo que cuando empieza a mostrar un extraño comportamiento se le atribuye al dolor de la pérdida. A diferencia de Annie, quien tenía una distante relación con su progenitora desde que perdió a su hermano mayor.
Pero luego de que Peter se ve obligado a llevar a Charlie con él a una fiesta con chicos de su edad, un impactante accidente en la carretera vendrá a oscurecer aún más las vidas de los Graham, en especial la de Annie, y a enfrentarlos a situaciones sobrenaturales relacionadas con el pasado de su familia.
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El sacrificio del ciervo sagrado
Singular es una buena palabra para caracterizar la filmografía del realizador griego Yorgos Lanthimos, quien ya había llamado la atención del mundo con su cinta de 2015, The lobster, donde si no se conseguía pareja se era convertido en animal, y reafirmó su peculiar mirada tres años después con la premiada y monárquica La favorita.
Pero entre estos dos títulos se sitúa el particular El sacrificio del ciervo sagrado (2017), un thriller psicológico centrado en la historia de una familia y su extraña disyuntiva. La cual es conformada por el cardiocirujano Steven Murphy (Colin Farrell), su esposa Anna (Nicole Kidman) y sus dos hijos, Kim (Raffey Cassidy) y Bob (Sunny Suljic).
Después de una operación, Steven concurre a una cafetería donde conoce a un jovencito llamado Martin (Barry Keoghan) que hace una década perdió a su padre en un accidente. Al mismo que con el pasó de los días el médico convierte en su protegido, llevándolo incluso a cenar con su familia, donde llama la atención de su hija.
Algo que el chico trata de retribuir llevando a Steven a su propia casa, donde su madre trata de seducir al médico. Una extraña situación que aleja a este hombre de Martin, quien no deja de tratar de contactarse con él, en una actitud que se torna desagradable para el protagonista. Pero lo peor todavía está por venir.
De un día para otro su hijo Bob ya no siente sus piernas y comienza a sufrir de una parálisis que médicamente no tiene explicación alguna. Algo que después de unos días también le sucede a Kim, sumiendo a Steven y Anna en la angustia. Lo que se incrementa cuando descubren que todo se relaciona con una venganza.
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En el barrio
En los últimos años Lin-Manuel Miranda vio como su nombre traspasaba las barreras teatrales y se convertía en figura del espectáculo, incluso fuera de las fronteras de su natal Estados Unidos, gracias a la popularidad alcanzada por el musical Hamilton y la singular mirada que este hace a la historia de los padres fundadores de esa nación.
Sin embargo, el artista de ascendencia puertorriqueña antes ya había dado vida a otra aplaudida pieza de teatro: In the heights o En el barrio, la misma que fue convertida en película a comienzos del pasado 2021, bajo la dirección de John M. Chu (Locamente millonarios) y ahora forma parte del catálogo de películas HBO Max.
Una cinta, producida por Miranda y donde él encarna un pequeño papel, que relata una colorida y musical historia que tiene como escenario Washington Heights, el barrio de Nueva York que alberga a una gran cantidad de hijos y nietos de inmigrantes latinos, entre los que se cuenta Usnavi de la Vega (Anthony Ramos).
El es el narrador de un relato donde se mezcla los ritmos del hip-hop, el rap, la salsa, el merengue y el soul, para dibujar una trama que tiene como eje su propio sueño: volver a su natal República Dominicana, donde en su niñez pasó los mejores años junto a sus desaparecidos padres en el local que ellos poseían.
Pero por el momento Usnavi -cuyo nombre lo ideó su papá luego de divisar un barco de la marina de EE.UU. que decía US Navy- se debe conformar con atender el minimarket familiar, mientras a su alrededor se desarrollan las historias de otros personajes. Como la de su interés amoroso Vanessa (Melissa Barrera).
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— Shumei San Francisco Wed Dec 05 16:07:00 +0000 2018
La teoría del todo
Desde los albores de la cinematografía, el género biográfico ha sido uno de los preferidos a la hora de que los guionistas busquen la inspiración para sus próximos trabajos. Por lo mismo, a lo largo de los años, la pantalla grande se ha convertido en el espejo de las vidas de figuras de la historia, de la cultura y del espectáculo.
Una de los buenos ejemplos del extenso listado de biopics -el nombre dado por los estadounidenses a este género y que deriva de la abreviación de biographical motion picture- es La teoría del todo, película que humaniza la existencia de una de las grandes figuras de la física contemporánea: Stephen Hawking.
Bajo la dirección del inglés James Marsh, la cinta toma como inspiración para su relato el libro Travelling to infinity: my life with Stephen, la segunda de las memorias escritas por Jane Wilde Hawking y en la que se reviven las luces y sombras de su matrimonio de casi tres décadas con el científico británico.
Su inicio se ubica en la Inglaterra de comienzos de los 60, cuando en una fiesta Stephen Hawking (Eddie Redmayne), por esos años en la Universidad de Cambridge, conoce a la estudiante de literatura Jane Wilde (Felicity Jones). Con ella establece una fuerte conexión, aunque pasan algunos días antes de que Hawking se reencuentre con ella.
Cuando la relación toma curso y el romance llena sus vidas de alegría, una grave caída del muchacho en el campus universitario lo lleva al hospital y a un alarmante diagnóstico médico: sufre de una enfermedad neurodegenerativa -esclerosis lateral amiotrófica-, que poco a poco lo irá privando de movimiento y en un par de años cobrará su vida.
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Ocean’s 8: las estafadoras
En 2018, más de 10 años después del estreno de Ahora son 13, la última película de la serie fílmica encabezada por George Clooney como Danny Ocean, el director y guionista Gary Ross (Pleasantville: amor en colores, Los juegos del hambre) decidió revivir la saga en una cinta protagonizada solamente por mujeres.
En un adrenalínico y entretenido relato donde Sandra Bullock encarna a Debbie, la hermana del mencionado y desaparecido Ocean que acaba de cumplir una condena de cinco años en la cárcel por fraude y sale decidida a efectuar el robo del siglo: apoderarse de un millonario collar en la gala que realiza el Met de Nueva York.
Sin embargo, antes debe conformar el equipo criminal perfecto con la ayuda de su socia, Lou Miller (Cate Blanchett). El cual queda integrado por la diseñadora de modas Rose Weil (Helena Bonham Carter), la joyera Amita (Mindy Kaling), la estafadora Constance (Awkwafina), la hacker Nine Ball (Rihanna) y la reducidora Tammy (Sarah Paulson).
Las cuales se involucran en un elaborado plan que tiene como objetivo robar el Toussaint, un collar de la firma Cartier que está avaluado en US$ 150 millones y que durante la próxima gala Met lucirá en su cuello la estrella de cine Daphne Kluger (Daphne Kluger), bajo la estricta vigilancia de varios guardaespaldas.
Por lo que Debbie y compañía primero deben acercarse a Daphne, haciendo que Rose, quien estuvo muchos años en la cima de la moda, pero ahora se encuentra en la quiebra, sea su primer nexo con la egocéntrica actriz y la conviertan en su cómplice involuntaria. En el inicio de una entretenida cinta que mezcla suspenso y comedia.
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Ready player one
Steven Spielberg es el director de esta película de ciencia ficción que hace algunos años llevó a la pantalla la novela homónima de Ernest Cline. Cuya narración se ambienta en 2045, cuando el planeta está saturado de personas y contaminación, por lo que el universo virtual de OASIS se convierte en la mejor forma para evadir la realidad.
Uno de sus usuarios es Wade Watts (Tye Sheridan), un muchacho experto en sus mundos y batallas que, en la forma de su avatar Parzival, dedica sus días a encontrar la clave que le permita ser el ganador del desafío final y, así, convertirse en dueño de la creación de James Halliday ( Mark Rylance) y Ogden Morrow (Simon Pegg), de Gregarious Games.
Pero detrás del control de OASIS también se encuentra la empresa Innovative Online Industries (IOI), la que dirige el codicioso Nolan Sorrento (Ben Mendelsohn), quien usa a empleados llamados “Sixers” para encontrar las claves o Easter Eggs -o función oculta en el software-, que lo lleve a poseer el famoso universo digital.
Sin embargo, sus planes serán combatidos por Wade junto a sus amigos virtuales Aech (Lena Waithe), Sho (Philip Zhao), Daito (Win Morisaki) y Art3mis (Olivia Cooke), la cual se llama realmente Samantha Cooke y con el paso del relato puede conocer en el mundo real al joven protagonista y establecer una relación más profunda con él.
Con un imponente registro visual y las cuotas de sentimentalismo que son su marca registrada, Spielberg concreta en Ready player one una adaptación fiel al despliegue de cultura pop del libro original.
Algo que por momentos limita la comprensión por parte de todo el público a sus guiños al cine, la música y los videojuegos que pueblan su relato.
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Tenet
A causa de la pandemia, y porque Christopher Nolan no quiso que debutara vía streaming, Tenet se reveló al mundo varios meses después de la fecha en que debía llegar a los cines. Un estreno que reafirmó a Nolan como un realizador singular, que siempre ha apostado por personajes complejos y tramas que pueden confundir a los que están poco atentos.
Una realización para la cual el espectador debe estar dispuesto a poner a prueba su raciocinio y sentidos, más que en otros títulos con la firma de Nolan, como Memento (2000), la cinta con que el cineasta británico se hizo notar, o Dunkerque (2017), su particular mirada a la Segunda Guerra Mundial.
Un relato que se inicia con una escena bastante normal para las películas de espionaje, cuando terroristas irrumpen la presentación de una orquesta en la National Opera House de Kiev. Ataque que provoca la aparición de fuerzas especiales ucranianas, dentro de las cuales se infiltra un grupo de estadounidenses que tiene una misión diferente.
La cual incluye a un agente, al que se conocerá como El Protagonista (John David Washington), que debe rescatar a un dignatario que conoce la ubicación de un elemento clave. Pero luego de cumplir su misión, el espía es tomado rehén y torturado por mercenarios rusos, hasta que logra ingerir una pastilla que le quita la vida.
Sin embargo, despierta a bordo de un barco, donde uno de sus jefes le explica que estuvo varios días en coma. Aquí es donde recibe una misión que se relaciona con una nueva Guerra Fría y para la cual tendrá como salvoconducto la palabra “tenet”. En el inicio de una aventura fílmica que juega con el flujo del tiempo.
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El conjuro 3: el Diablo me obligó a hacerlo
Con el debut en las salas de cine de El conjuro, en 2013, no solo se conoció al matrimonio de Ed y Lorraine Warren (Patrick Wilson y Vera Farmiga), usando su habilidad como investigadores de los paranormal para ayudar a la familia Perron, sino que además se dio inicio a una serie fílmica que en los último años fue bautizada como “El Conjuroverso”.
El que también incluye las cintas centradas en la malvada muñeca Annabelle, La Monja y La Llorona, como también a las secuelas con las aventuras de los Warren: El conjuro 2, donde la pareja viaja Inglaterra de fines de los 70 para ayudar a una madre soltera y sus hijos, y El conjuro 3: el diablo me obligó a hacerlo.
Un largometraje que ya no es dirigido por James Wan, el nombre clave tras la saga de terror, sino que por Michael Chaves (La maldición de La Llorona), y que se ambienta a inicios de los años 80 en Brookfield, una tranquila localidad vecina a Connecticut, donde viven los demonólogos con su hija.
Los mismos que han visitado el lugar para exorcizar a David (Julian Hilliard), un niño poseído por un demonio. Una práctica que realizan junto al Padre Gordon (Steve Coulter), los padres del pequeño, Carl y Judy (Paul Wilson y Charlene Amoia), su hermana Debbie (Sarah Catherine Hook) y el novio de ésta, Arne (Ruairi O’Connor).
Este último es un muy cercano a David, por lo que en un momento del conjuro que realizan los Warren, y parece no surtir efecto, él se ofrece para albergar al demonio.
Pero finalmente el exorcismo concluye, dejando a Ed en el hospital tras sufrir un ataque al corazón y a Arne como el nuevo poseído, como solo lo sabe el público y un inconsciente Ed.
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Moonlight
Dirigida por el talentoso director estadounidense Barry Jenkins, esta cinta es una pequeña joya que hay que ver más de una vez. Lo merece.
El filme está dividido en tres partes, con la infancia, adolescencia y madurez de Chiron, un joven afroamericano, huérfano de padre, que crece en un suburbio de Miami y que afronta serias dificultades para relacionarse con su entorno y vivir su homosexualidad.
Con un elenco encabezado por Mahershala Ali, no sólo conmueve, sino que muestra la realidad de esos barrios escondidos en que la crueldad, las miserias, la droga y los problemas afectivos son parte del día a día.
Una historia ganadora de tres premios Oscar, entre ellos el de Mejor Película, que se llevó en una confusa ceremonia donde los presentadores, Faye Dunaway y Warren Beatty, anunciaron por error que la triunfadora era La La Land.
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El Escuadrón Suicida
Fue en 2016 que David Ayer dirigió la primera película en torno al grupo de antihéroes de DC Comics que a lo largo de los años han tenido diferentes versiones en sus historietas. En la cual se mostró como la oficial de inteligencia Amanda Waller (Viola Davis) reunió a súper villanos para detener a Enchantress (Cara Delevingne).
Un equipo conocido como Task Force X, encabezado y vigilado por el Coronel Rick Flag (Joel Kinnaman), que incluía a Deadshot (Will Smith) y Harley Quinn (Margot Robbie). A los cuales se les habían implantado micro bombas en la parte baja de sus cerebros, que Waller haría explotar si no cumplían su labor.
Algunos de los personajes que se repiten en la versión de El Escuadrón Suicida que James Gunn (Guardianes de la Galaxia) realizó hace poco y se puede disfrutar en la plataforma de HBO Max.
Un relato que mezcla de buena manera comedia y acción -bastante sangrienta y violenta-, cuya narración se inicia en la cárcel de Belle Reve.
Donde Waller nuevamente recluta a un renovado equipo de criminales. Entre los que se cuenta Savant (Michael Rooker), un experto en defensa personal; Weasel (Sean Gunn), una comadreja mataniños, Blackguard (Pete Davidson), y los ya conocidos Boomerang y Harley Quinn, nuevamente bajo la guía del Coronel Flag.
Su misión: llamar la atención de las fuerzas militares de Corto Maltese, una isla ubicada frente a las costas de Latinoamérica y manejada por un dictador, mientras otro grupo de “suicidas” llega a otra playa de ese territorio en medio de la noche. Los que son liderados por el mercenario Bloodsport (Idris Elba).
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